11 испанский народный танец который танцуют в сопровождении гитары и барабана

Народные советы

11 испанский народный танец который танцуют в сопровождении гитары и барабана

Болерó (исп. bolero[1]) — испанский народный танец. Характерные музыкально-стилевые черты: размер 3/4, особенные ритмоформулы (одна из таких показана на иллюстрации), умеренный темп.

Первые исторические свидетельства о болеро относятся ко второй половине XVIII века. Испанский фольклорист Хуан-Антонио де Самакола[es], писавший под псевдонимом дон Пресизо (Don Preciso), полагал, что этот танец придумал около 1780 года ламанчский танцовщик Себастьян Сересо[en] (Cerezo, Zerezo)[2]. Согласно современным исследованиям, термин «болеро» впервые встречается в 1773 году как сценическая ремарка в комедийной интермедии (sainete) Рамона де ла Круса «Приличная гостиница» (La hostería del buen gusto)[3]. Историки полагают, что музыкальный материал для ранних болеро танцовщики заимствовали из сегидильи.

Для разных областей Испании характерны различные разновидности этого танца. Трёхдольный размер такта может по-разному дробиться: за равными долями первого такта на сильную долю следующего такта следует пауза с последующими тремя нотами меньшей длительности. В другом ритмическом варианте болеро на короткие ноты дробится первый такт, при этом вместо первой ноты идёт пауза.

Болеро танцуется под аккомпанемент гитары и барабана, при этом танцовщики дополняют ритмический рисунок музыки.

В классическом балете болеро в виде парного танца присутствует в IV aкте балета «Дон Кихот» (композитор — Людвиг Минкус[уточнить]). В классической музыке наиболее известным произведением является «Болеро» Мориса Равеля, созданное композитором по заказу Иды Рубинштейн и впервые исполненное её труппой в хореографии Брониславы Нижинской 22 ноября 1928 года на сцене парижской Оперы.

Как музыкальный жанр кубинское болеро[es] возникло около 1840 года и постепенно приобрело популярность во многих латиноамериканских странах. Считается, что одним из первых ярко выраженных произведений этого жанра было болеро Tristezas, написанное Хосе Санчесом[es] в 1883 году. Размер кубинского болеро — 4/4. В этом же жанре написаны песни «Бэсаме мучо» (1940) и «История любви» (1955).

Качуча (исп. Cachucha, дословно — «маленькая лодка») — испанский сольный танец.

Качуча является андалузским танцем сольного исполнения в 3/4 или 3/8 такта, схожим с болеро. Происходит из южно-испанской провинции Кадис (по другим данным — из Кубы). Традиционно качучу могут танцевать как мужчины, так и женщины. Обычно танец сопровождается стуком кастаньет и притоптыванием каблуков (цапатеадо).

В XIX столетии качуча была одним из любимых танцев, исполняемых на различных сценах Европы. В театре она впервые появляется в балете «Хозяйка озера» (1812), затем — в балете Жана Коралли «Хромой бес» (1836), где её танцевала балерина Фанни Эльслер — в её исполнении этот танец стал подлинной сенсацией. Эту качучу также танцевала Люсиль Гран, а позднее — Анна Павлова.

Муйне́йра (галис. muiñeira, исп. muñeira от галис. muiño «мельница») — галисийский народный танец, распространенный в испанской автономии Галисия, а также у испанцев автономной области Астурия с музыкальным размером 6/8.

Танцуют Муйнейру с поднятыми вверх руками. Главный танцевальный шаг называется пасео (галис. paseo). Муйнейра преимущественно инструментальный танец, который как и сардана, имеет постоянный музыкальный размер — 6/8.

Муйнейра может состоять из двух и более частей. Более давние варианты обычно состояли из двух частей, более новые — из двух и более.

Муйнейра исполняется в традиционных костюмах под аккомпанемент музыкальных инструментов — волынки, бубна, маленького барабана и прочих, а также часто сопровождается пением.

Муйнейрой называется также и быстрая мелодия, под которую исполняется танец.

Этимология названия муйнейра от слова «мельница» дала возможность некоторым исследователям утверждать, что изначально танец был популярен среди мельников. По другой версии муйнейра получила своё название от места, то есть от мельницы и прилегающей территории, где обычно устраивались сельские вечеринки с танцами.

Муйнейра — танец как праздничный, так и повседневный (например, исполнялся на вечеринках после трудового дня).

Муйнейра — чисто галисийский танец, но известна также и в Астурии. Известны локальные варианты танца, например, муйнейра провинции Луго.

Выделяют два основных вида муйнейры:

старая муйнейра (галис. muiñeira vella) — всегда с пениями и в сопровождении игры на бубне-пандейрете.
новая муйнейра (галис. muiñeira nova) — своим происхождением обязан профессиональной музыкальной культуре и имеет инструментальный характер, иногда имеет прелюдию.

Сапатеадо (исп. zapateado, от zapato — сапог) — стиль мексиканского танца. Наиболее характерно для сапатеадо выстукивание ритма ногами (близкое к стилистике чечётки). В Испании сапатеадо было ассимилировано как жанр фламенко; этот сольный мужской или женский танец исполняется на согнутых коленях в размере 6/8.

В Мексике также называется сапатео или сапатео табаско. На Кубе — сапатео.

В классической музыке сапатеадо было обработано такими испанскими мастерами как Пабло де Сарасате (шестой «Испанский танец», соч. 23), Энрике Гранадос (шестая из «Шести пьес на испанские народные напевы») и Хоакин Турина (третий из «Трёх андалузских танцев», соч. 8). На музыку Гранадоса в 1933 году создала номер знаменитая танцовщица фламенко Архентина.

Сарабанда (исп. zarabanda) — старинный испанский народный танец с акцентом на второй или третьей доле. Музыка сарабанды имеет суровый, мрачный характер, исполняется в медленном темпе. Известен с XVI века[1].

Изначально ведет происхождение из Испании (позже из Латинской Америки, где являл собой танец-соблазнение с использованием кастаньет и весьма откровенными объятиями партнеров и после нескольких не слишком удачных попыток католической церкви запретить его исполнение, начинается сознательное переосмысление танца, призванное снизить его популярность). Сарабанда исполняется на похоронах, и музыка к ней пишется на заказ в минорном ладе. В XVII—XVIII вв. облагороженный вариант этого танца распространился в Западной Европе как бальный танец, а ко второй половине XVIII в теряет популярность. Музыкальный размер 3/4, 3/2.

Танцевали её с сопровождением гитары или пения с флейтой и арфой. Позднее этот танец перешел во Францию в переработанном виде, получив более благородный и величественный характер. Темп в обновленной сарабанде медленный, счёт в 3/4, форма двухколенная, то есть «квадратное» строение (каждое колено в восемь тактов).

Сардана или сарданс (кат. sardanes) — национальный танец каталонцев, размер 6/8. Танец носит хороводный характер — его участники выстраиваются в круг и, взявшись за руки, совершают определённые движения под музыку. Количество участников неограниченно.

Нет точной даты и места появления сарданы, но известно, что танец популярен с XVI века. Сардана выражает национальный дух каталонцев, символизирует их единство. Этот танец также называли «танцем протеста», ведь его исполняют не профессиональные танцоры, а простой народ, не на сцене, а на площади. В годы диктатуры Франко сардана была официально запрещена.

Сейчас распространены, в основном, два типа этого танца: исторический оригинальный стиль — короткая сардана (sardana curta) и более популярный современный стиль — долгая сардана (sardana llarga).

Читайте также:  Итоги народных выступлений при петре первом

Сардану часто танцуют прямо на площадях под музыку уникальных национальных оркестров кобла. В испанской и французской Каталонии насчитывается около 130 таких оркестров, в основном любительских. За пределами Каталонии известен только один оркестр коблы — Cobla La Principal d’Amsterdam (Амстердам).

Нередко участники, во избежание карманных краж, перед началом танца складывают свои вещи в центр танцевального круга, чтобы иметь возможность следить за ними.

Сегиди́лья (исп. Seguidilla) — испанский народный танец, обычно сопровождающийся пением, и текст этих песен.

Сегидилья представляет собой разновидность испанского танца в сопровождении песен. Возник в XV—XVI веках. Характерен для регионов испанской Кастильи, в частности, Кастилья-ла-Вьеха, района Мадрид и Кастилия-Леон[1].

Для мелодий сегидилья типичен мажор, иногда чередующийся параллельно идущим минором, размер 3/4, подвижный темп (allegro) и жизнерадостный характер. Тексты сопровождающих песен преимущественно имеют лирическое или шутливое содержание. Аккомпанирующие инструменты — кастаньеты, гитары, мандолины, лютни. Иногда участвуют флейты и барабаны[1][2].

Танцуется парами, которые могут смешиваться, образовывать круг и меняться. Исполняется на торжествах подобных празднику сбора урожая.

Тексты сопровождающих песен преимущественно имеют лирическое или шутливое содержание с многократным повторением отдельных стихов строфы.

Темы двух кастильских сегидилий использовал Михаил Глинка в своей Испанской увертюре №2 «Воспоминания о летней ночи в Мадриде» (1848), законченной композитором в Санкт-Петербурге после возвращения из Испании. Другая известная сегидилья — ария Кармен в I действии одноимённой оперы Жоржа Бизе (1874)[3].

Сегидилья, исполняемая мужским и женских кордебалетом, включена балетмейстером Мариуса Петипа, жившим в Испании в 1843—1846 годах, в I акт балета «Дон Кихот» (композитор Людвиг Минкус, 1869).

Фанда́нго (исп. fandango) — испанский народный танец (размеры 3/4, 6/8), исполняемый в паре под пение фанданго в сопровождении гитары и кастаньет.

Типичная ритмоформула фанданго
Известен с XVII века, когда танец начал распространяться от Андалусии и Эстремадуры к Астурии, Стране Басков, а также на восток Испании, к Португалии и Америке. В начале XIX века фламенко переняло некоторые черты андалусийского фанданго, таким образом появилось «фанданго в стиле фламенко» (fandangos aflamencaos), сейчас являющееся одним из основных ритмов фламенко.

Одним из вариантов фанданго является танец малагенья.

Хота (исп. и кат. jota, по-каталански читается «жота»; араг. hota) — парный испанский национальный танец, в трёхдольном размере. Появилась в конце XVIII века в Арагоне и в начале XIX века распространилась по всей Испании.

Исполнение хоты различается в зависимости от региона.

Арагонская хота — самый старый и самый известный вид хоты. Считается классическим видом.
Каталонская хота — официально признанный правительством танец Каталонии.
Кастильская хота — отличается от Арагонской хоты более быстрым темпом.
Филиппинская хота — хота, адаптированная филиппинцами в период испанской колонизации Филиппинских островов.

Хота обычно исполняется в национальных костюмах с кастаньетами и пением. Темы таких песен могут быть различны, например: семья и брак, политика, религия и т. д. В некоторых регионах хота также является частью ритуала почитания умерших и исполняется в траурной процессии.

Исполнение хоты возможно и в сопровождении оркестра, в который входят гитары, лютни, барабаны. Галисийцы также используют волынки.

Хота в творчестве композиторов неиспанского происхождения:
Французский композитор Жорж Бизе написал вступление к четвёртому действию оперы «Кармен» в форме хоты.
Русский композитор Михаил Глинка после путешествия в Испанию написал оркестровую пьесу «Арагонская хота».
Венгерский композитор и пианист Ференц Лист написал Хоту для фортепиано.
Французский композитор Камиль Сен-Санс и русский композитор Милий Балакирев написали концерты для оркестра на тему хоты.

Са́мба (порт. samba) — бразильский танец, символ национальной идентичности бразильцев.

Танец обрёл мировую известность благодаря бразильским карнавалам. Одна из разновидностей самбы вошла в обязательную пятёрку латиноамериканской программы бальных танцев. Исполняется в темпе 50-52 удара в минуту, в размере 2/4 или 4/4.

В русском языке слово самба имеет женский род, а в португальском — мужской.

“Бразильцы так полюбили самбу, что она стала их национальной музыкой. А Рио – центром самых разных направлений самбы. Здесь действует множество школ самбы, здесь живет его народный вариант – самба бразильских трущоб” (с) Жильбер Жиль.

Отличительной особенностью самбы, как и других видов афроамериканской музыки и танцев, является синкопированный ритм. Характерно использование полиритмии и перекрёстных ритмов. Ритмическая полифония создаётся широким набором ударных инструментов.

Ча-ча-ча (исп. cha cha cha) — музыкальный стиль и танец Кубы, получивший также широкое распространение в латиноамериканских странах Карибского бассейна, а также в тех из латиноамериканских общин США, где преобладают выходцы из этих стран.

Ча-ча-ча возник в процессе эволюции и экспериментов кубинского композитора Энрике Хоррина (Enrique Jorrin, 1926—1987) с Дансоном, в 50-х годах XX века. И до сих пор популярен и танцуется на Кубе в кафе и на уличных вечеринках.

Исполняется на соревнованиях, начиная с Н класса. Музыкальный размер 4/4, темп — 30 тактов в минуту.

Ча-ча-ча — это также один из пяти танцев латиноамериканской программы бальных танцев.

Существуют множество певцов и музыкантов, обращающихся к стилю ча-ча-ча в своих произведениях:

Ален Сушон — Foule sentimentale
Бэрри Уайт — Sha la la means «I love You»
Далида — Itsi bitsi petit bikini
Françoise Hardy — Comment te dire adieu
Joe Dassin — Guantanamera
Les Rita Mitsouko — Marcia Baila
Niagara — L’amour à la plage
Паскаль Паризо — Que je sache (Quizas)
Серж Генсбур — Cha cha cha du loup
Ванесса Паради — Joe le taxi
Карлос Сантана и Tito Puente — Oye Como Va

В юности Брюс Ли выиграл чемпионат по танцу ча-ча-ча в Гонконге. Тогда же он решил серьёзно заняться ушу-кунгфу. Его первый учитель кунг-фу вспоминал, что Брюс пришёл к нему и сказал: «Учитель, я знаю, что вы прекрасно владеете кунг-фу — а я лучше всех танцую ча-ча-ча. Так давайте обменяемся нашими знаниями: вы научите меня технике кунг-фу, а я научу вас танцевать ча-ча-ча.»

Ру́мба (исп. rumba) — у этого слова есть два различных значения.

Одно из них относится к направлению танцев и музыке, родившихся на Кубе. Наиболее известным из них является rumba Guaguanco. Так же популярными являются rumba Yambu и rumba Columbia. Каждый из этих видов румбы имеет свою стилистику музыки и танцевания, но в целом они очень близки.

Другое значение появилось сравнительно недавно и относится к танцу из программы бальных танцев, который входит в программу соревнований. В этом значении румба является самым медленным из пяти танцев соревновательной латино-американской программы (остальные четыре — пасодобль, самба, ча-ча-ча и джайв). Танец и музыка румбы из соревновательной программы латино-американских танцев происходят от кубинских музыкальных стилей и танцев болеро и сон.

Читайте также:  Итоги послевоенного восстановления народного хозяйства ссср

Румба — парный кубинский танец африканского происхождения. Отличительной особенностью румбы являются эротические плавные движения, соединенные с широкими шагами.

Среди всех бальных танцев румба характеризуется наиболее глубоким эмоциональным содержанием. В ходе своей эволюции румба приобрела многие черты, характерные для блюза. Существует расхожий штамп, что «румба — танец любви». Контраст ярко выраженного эротического характера танца и драматического содержания музыки создаёт неповторимый эстетический эффект. Вопреки всеобщему мнению о том, что движения в румбе — это танцевальное воплощение эротических чувств, румба изначально была свадебным танцем, а её движения обозначали не что иное как семейные обязанности супругов. Немногочисленные современные румбы, написанные в мажоре, имеют свою изюминку, но не оставляют такого глубокого впечатления.

Источник

Старинные танцы

МЕНУЭТ – это старинный французский, крестьянский танец. В XVII веке король Людовик XIV открыл моду на этот танец, продержавшийся в музыке несколько столетий. Существовали менуэт Короля, менуэт Королевы и менуэт двора. Танцевальные движения были так замысловаты, что проходили не дни, а годы прежде чем аристократы решались танцевать менуэт на придворном балу. Умение танцевать считалось неотъемлемой частью хорошего воспитания дворянских детей. Во второй половине XVIII века менуэт в Европе становится не только танцевальной, но также инструментальной пьесой. Он входит в состав таких жанров музыки как соната, симфония и конечно звучит в операх. В.А.Моцарт, еще будучи ребенком, научился танцевать менуэт в Париже. Один из сборников его детских клавесинных пьес состоит в основном из менуэтов. В них сочинения 8-летнего мальчика проявилась поразительная наблюдательность, в интонации, изящном рисунке мелодии, словно в зеркале, отразилась пластика танца: поклоны, грациозные жесты и плавные приседания. Дань любви менуэту принесли композиторы и XIX, и XX веков (Бетховен, Шуберт, Чайковский, Дебюсси, Прокофьев).

ПОЛОНЕЗ – торжественный танец-шествие в умеренном темпе, имеющий польское происхождение. Исполнялся, как правило, в начале балов, подчёркивая возвышенный характер праздника. В первой паре танцевал обычно хозяин дома или маршал бала, который указывал порядок фигур. В полонезе танцующие пары двигаются по установленным правилами – геометрическим фигурам. Музыкальный размер танца – 3/4. Как и все бальные танцы, попав в аристократические салоны, полонез стал более сдержанным, чопорным и блестящим. В полонезе, как ни в каком другом танце, появились свойственные польской шляхте надменность и вместе с тем галантность.
Став танцем знати, полонез в XVIII веке исполняется и в других европейских странах. Но особенно широко распространился он после того, как вошёл в моду во Франции. Поэтому танец и называется французским словом «Полонез» («Польский»).
В России полонез известен с петровских времён. В быту его называли «ходячий разговор», так как во время несложного танца можно было вести беседу.

МАЗУРКА – этот танец впервые появился в Польше. Название его исходит от названия жителей Мазовии – мазуры, у которых и появился этот танец. Для него характерен трёхдольный размер, быстрый темп, частые резкие акценты, смещающиеся на вторую, а иногда и на третью долю такта.
В XVII веке мазурки вошли в цикл польских крестьянских танцев (сельские балы).
В XIX веке мазурка получила распространение как бальный танец и в других странах Европы. Удаль, блеск и грация отличают мазурку. С начала XIX века польские композиторы пишут мазурки для фортепиано, вводя их в оперы. Ф.Шопену – великому польскому композитору, принадлежит около 60 пьес с таким названием; некоторые из них представляют собой картины народной жизни, другие – тончайшие лирические или скорбно-трагические поэмы, овеянные любовью к Родине.
Фортепианные мазурки писали и русские композиторы М.И.Глинка, А.К.Лядов, А.Н.Скрябин, П.И.Чайковский, С.Прокофьев и другие.

О ВАЛЬСЕ сказано немало
За три столетия подряд.
На вечерах и карнавалах
Не потускнел его наряд!
Этот народный немецкий танец стал популярен в Австрии, Германии, Чехии во второй половине XVIII века. Постепенно этот сдержанный народный танец превратился в городском быту в одно из любимых бальных развлечений – плавное поступательное кружение парами. Конечно, за свою долгую жизнь вальс не раз менял свой характер. И сегодня, когда настолько популярны современные танцы, ни школьный бал, ни семейное торжество, ни парадный дипломатический приём не обходятся без тура вальса.
В начале XIX века на смену легкому, изящному танцевальному вальсу, пришли концертные вальсы Брамса, Шопена, Глинки, Чайковского. Великий польский музыкант, композитор Фредерик Шопен написал 14 вальсов. Это поистине бесценные жемчужины шопеновского гения, отличающиеся изяществом, прозрачностью фактуры, гармоническим своеобразием. В эту, казалось бы, салонную сферу, Шопен внес очарование большого искусства.
Особенно популярен стал вальс в Австрии. И, несомненно, австрийский вальс неотделим от имени Иоганна Штрауса. Музыке известны два Штрауса – отец и сын. Оба Иоганны, оба композиторы. Но титула «короля вальса» был удостоен младший. Вальсы Штрауса темпераментны, полны увлекательной мелодии. Вся Европа сходила с ума от этих вальсов.
Россия познакомилась с вальсом в последней четверти XVIII века. Однако же спустя уже несколько лет император Павел особым полицейским предписанием положил запрет на «употребление пляски, вальсом именуемой». И все же, несмотря ни на какие запреты, русские композиторы и поэты не переставали обращаться к вальсу. Русский вальс отличался от европейского вальса незатейливой мелодией, мягкой, проникновенной поэзией. Постепенно он стал своеобразным символом юности и светлых мечтаний, весны и любви. В ритме вальса зазвучали и романсы-воспоминания, романсы-объяснения, романсы-размышления и, конечно же, романсы о самом вальсе.

КУРАНТА (франц. courante – бегущая, текущая) – старинный французский салонный танец трехдольного размера, распространенный в странах Европы с начала XVI века.
В старину он исполнялся парой танцоров. В классических барочных сюитах (Suites de Danses). Куранта обычно была вторым танцем, и следовала за аллемандой с аккомпанементом в 3/4. Изначально Куранта пришла из Италии во Францию через Катерину Медичи (1518-1589) и исполнялась с 16 века по 1800 год при французском дворе. В собрании Philidor – несколько Курант, исполненных при дворе Медичи. Мужчинам высокого ранга предполагалось хорошо танцевать ее, иначе их образование считалось неполным. После 1650 года Куранта стала придворным танцем, изначально будучи пантомимой, она являлась одним из самых старых фигурных танцев. Это было любимый танец Короля Людовика XIV (1638-1715), который он танцевал, как говорят, лучше, чем кто-нибудь еще. Движения Куранты были настолько важны, что это рассматривались как необходимость изучения их перед любым другим танцем.

САРАБАНДА – это старинный трехдольный испанский танец в характере медленного торжественного шествия. Иногда сарабанды имели траурный характер и даже исполнялись при погребениях героев, знатных людей. Сарабанда (Sarabanda) впервые в истории был представлен при французском дворе Кардиналом Ришелье (1585-1642 ), который хотел понравиться Королеве Франции «Анне Австрийской» (1601-1666) в 1635 году и матери Луи XIV. Сарабанда (в значении шум) имела мавританское происхождение и происходила из Испании, где была известна с 12-ого столетия. Испанское название La Zarabandasounds происходило от персидского «Sar-Band» (Венок, головной убор), но не была связана с головными уборами вообще. Сарабанду назвали в честь Zarabanda (крючковатый музыкальный инструмент в виде флейты), которая была привезена в Португалию в 1586 году, и, наконец, во Францию в 1750 году. Хотя согласно легенде, считается, что танец получил свое название благодаря красивой испанской девочке, которая танцевала этот танец, напевая мелодию очень серьезного характера, и сопровождала свой танец только звуком кастаньет. Этот танец или вызывал симпатию, или глубокую ненависть. В частности, Филипп II Испанский издал запрещающий указ в 1583 году из-за того, что «музыка имела демонический звук». Наивысшими достижениями в этом жанре являются сарабанды из инструментальных сюит Генделя и Баха.

Читайте также:  Как сшить русский народный сарафан из платка

ЖИГА – старинный народный танец кельтского происхождения, который до сих пор сохранился в Ирландии. На Британских островах появился еще в XV веке. Особенно широко он был распространен в Англии, Ирландии, Шотландии. Английская жига – матросский танец, несколько грубоватый и очень веселый. Название «жига» появилось благодаря тому, что танец исполнялся под аккомпанемент старинной скрипки, которую за выпуклую форму прозвали «жига» (окорок) или от старофранцузкого giguer («танцевать»). В начале размер жиги был 4/4, позже стали появляться размером 6/8 с пунктированными восьмыми.
Изначально жигу танцевали ирландские крестьяне. Они обували деревянные туфли, и в качестве развлечения парни и девушки танцевали жигу. Особенностью раннего вида танца являлось то, что у танцоров двигались только ноги. Удары делались носками и пятками ступней ног, верхняя часть корпуса оставалась неподвижной.
Так же жигу считали танцем английских матросов. Во время плавания на корабле, когда матросы выходили на палубу размяться, они пристукивали и шаркали ногами об пол, отбивая при этом ритм. Среди моряков жига часто исполнялась в качестве сольного, очень быстрого танца комического характера. Зачастую, прямо на палубе, между матросами устраивались состязания на лучший «перепляс». В 17-18 веке жига (с названием по-французски – gigue ) появилась в инструментальной сюите и являлась финалом после четырех основных танцев так называемой французской сюиты. Жиги часто сочиняли в форме полифонии, при этом во втором разделе была тема, которая представляла собой обращение темы первого раздела.

ГАВОТ – (от франц. gavotte ), старинный французский танец, первоначально народный, хороводный, двудольного размера, известен еще с XVI века. Музыкальный размер 4/4. В XVIII веке получает второе рождение, но приходит в бальные залы не с сельских праздников, а со сценических подмостков, аранжированный опытной, профессиональной рукой. Наряду с менуэтом стал излюбленным жеманным и манерным танцем. Он состоял из легких, маленьких шагов на полупальцах и очень изысканных реверансов. Все это сочеталось с изящными, но вычурными позами и мягкими движениями рук. Основное па гавота – «венгерский шаг» – состоит из двухкратного передвигания ноги в IV воздушную позицию, вперед или назад. Нога двигается, мягко и плавно разгибаясь, что требует специальной тренировки.
Благодаря сочетанию превосходной музыки с оригинальным танцевальным содержанием гавот по праву считается историческим танцем. Живопись, поэзия, скульптура, стремясь передать дух галантного XVIII века, часто обращались к изображению именно этого танца.
Гавот (Gavotte) (от провансальского слова gavoto – «житель области Овернь») – старинный французский танец XVI-XVIII века. Очень изящный. Судя по названию, приходится родственником Буре, поскольку происходит из той же провинции Овернь. Первоначально был частью бранля (тоже старинный французский хороводный танец). В XVII веке исполнялся небольшими группами, считался хороводным танцем, в XVIII века превратился в парный танец с разнообразными фигурами.
В композиторской практике – самостоятельная пьеса или часть сюиты. Популярности гавота способствовал Ж.Б.Люлли. Гавот встречается в сюитах Куперена, Пахельбеля и особенно И.С.Баха. Композитор Глюк применил этот танец в своей опере «Ифигения в Авлиде». Так же гавот встречается в творчестве Рамо, Корелли, И.X.Баха, Генделя и многих других классических композиторов.

БУРРЕ (от франц. bourrer – набивать, колотить) – старинный французский народный танец.
Изначально был танцем дровосеков, которые, как бы уминая связку дров, периодически резко ударяли подбитыми гвоздями башмаками («сабо»). В различных областях бытовали бурре 2-дольного и 3-дольного размера с острым, часто синкопированным ритмом. Также различными были и движения танца – более или менее тяжеловесные, парные или хороводные. Аккомпанементом к бурре часто было пение самих исполнителей, игра на волынке, удары каблуками, выкрики.
Во второй половине XVI века проник в Париж и, постепенно преобразившись в соответствии с запросами высшего света, стал придворным танцем. Ввела его при французском дворе Маргарита Валуа (которая, по свидетельству современников, имела красивые ноги; поэтому ввела бурре, в котором подпрыгивали).
С середины XVII века бурре широко используется в профессиональной музыке: вводится в инструментальную сюиту в качестве предпоследней части, следующей за сарабандой.

ПАВАНА – очень медленный, торжественный танец – шествие в двухдольном размере. Название танца связывают с латинским словом «паво», что означает «павлин». Плавные движения, гордые повороты, поклоны действительно напоминали движения павлина и делали танец парадным, величавым. Павану танцевали при плаще и шпаге. Кавалеры, взявшись за рукоять шпаги, приподнимали ее концом плаща наподобие павлиньего хвоста. По описанию историков, богатством своих костюмов и важностью движений танцоры напоминали павлинов, которые медленно выступая, гордо распускают веером свой хвост.

КОНТРДАНС – старинный народный танец английского происхождения, пользовавшийся огромной популярностью в XVIII–начале XIX веков. Преимущественные размеры: 2/4, 6/8, темп оживленный. Музыка контрдансов, написанная обычно в мажорном ладу, варьировалась очень разнообразно.
Контрданс возник в конце XVI века на основе хороводов и шествий в честь праздника весны (так называемые, танцы вокруг майского дерева). Первоначально, будучи сельским танцем, имел веселый, жизнерадостный и непосредственный характер; в дальнейшем, проникнув в салоны и бальные залы, приобретает некоторую чинность и сдержанность. Но демократичный характер контрданса остается даже при английском дворе королевы Елизаветы, где гости танцуют его вместе со слугами.
Постепенно контрданс получает огромную популярность не только в Англии, но и во многих европейских странах. Так, в 1685 году он появляется в Нидерландах и Франции, а позднее и в России. Наибольшее распространение получил в 1750-1762 гг., вытеснив из быта многие танцы.

Источник

Полезные советы и лайфхаки для жизни